Arte, obra de arte e historia del arte después de las vanguardias del siglo XX

Para comenzar mi comentario o apuntes realizados para el tema concreto del arte después de las vanguardias del siglo XX tratando los temas estudiados por los autores que trataré a continuación. En concreto y en primer lugar hablar de uno de los estudios sobre Arte de Erwin Panofsky, en segundo lugar reflexionaré sobre la obra de José Jiménez analizando el arte con la pluralidad de atribuir el término de arte a todo lo que el hombre llama arte. Los tres últimos autores de este tema son los especialistas Gombrich, Nelson Goodman y por ultimo Gadamer como conclusión a mis apuntes hablaré de unas ciertas conclusiones sacadas tras el estudio.

En el primero de los autores Erwin Panofsky hablamos de una relación entre la humanidad y el arte, en concreto la humanística. La humanidad es una característica del arte en si ya que es creada por el ser humano, tratamos dos significados de el termino humanitas, hablando de valor y limitación, en el significado del propio valor permite diferenciar al ser humano de todo lo que le rodea dejando atrás los demás seres vivos. El otro significado en la evolución histórica de la humanidad o lo humano es la de la limitación con respecto a una educación o cultura de un pueblo. En la Edad media damos un salto al termino humanidad en la que vemos una diferenciación, lo humano de lo divino dándole características a la humanidad que la define como frágil y no duradera. En el Renacimiento se da un cambio aplicando la misma comparación o mismo tipo dando la comparación de humano y bárbaro, algunos estudiosos de esta época hablan del ser humano como un ser autónomo y finito, en el caso de Ficino. En el texto estudiamos vemos un realce del antropocentrismo y el mensaje que mandaban algunos autores renacentistas como Pico della Mirandola, que pone al hombre en el centro del universo a través de dios.

El humanismo es un termino que se forja como vemos a través de los siglos y que estudia en esta ocasión Erwin Panofsky, y vemos que es una corriente que siempre ha estado ahí, siempre se ha tratado lo humano, porque tiene esa característica de humano y porque es la base de todo los estudios. Esta corriente llamada humanismo se ayuda de varias disciplinas para buscarle un sentido al propio ser humano y darle la importancia que se merece en todos los campos, tanto en la razón, la antropología, la filosofía entre otros.

Podemos destacar humanistas como Erasmo de Rotterdam que juzga la autoridad de la iglesia que se avoca a sus tradiciones que las hace verla como un atraso aunque ve a estas propias tradiciones como dignas de ser estudiadas. Estas tradiciones muchas veces son reflejadas en las obras artísticas  y nos aportan grandes datos y una cultura que perdura durante siglos, por lógica el arte ya que es solo provocado por el ser humano con un sentido esta ligado al ser humano y con un sentido lógico el humanista estudia al ser humano y como consecuencia el arte también. Eso lo vemos reflejando en personas como Leonardo Da Vinci que es pintor pero a la misma vez humanista y se dedica a crear cosas nuevas experimentar y estudiar al ser humano a fondo para darle otra visión del mismo. Esto le hace tener una cultura plural en todos los aspectos tanto científicos como artísticos , al ser humanista se basa en los documentos y este utiliza los documentos para estudiar, como consecuencia esto le da otra base mas profunda. Estos documentos son huellas y el arte también tiene un carácter de huella y por eso tiene que tener relación con el humanismo. Una pregunta de si el arte sirve a las humanidades, y la respuesta debe ser si por estas conclusiones tratadas anteriormente, la obra de arte en si es un documentos, pero esta obra también se sirve de otros documentos de otra índole que ayudan para ser estudiadas tanto la obra como el propio ser creador.

Para el autor Erwin Panofsky la definición de obra de arte textualmente seria esta, «objeto que fabricado por el hombre reclama ser estéticamente experimentado» con esto Panofsky habla de un objeto con el que experimentamos, pero a la misma vez de tener un objetivo estético y recreador también se relaciona con otras disciplinas como pueden ser la arqueología como se nos cita en el texto y habla de una interacción entre lo estético y lo puramente científico no habla del ejemplo de comprar el billete para mas tarde coger el tren. La obra de arte a pesar de ser un objeto estético este objeto tiene un carácter de estudio y de interacción con la persona porque la observa y estudia, por esto puede tener mas fuerza la interacción de lo intelectual con lo físico que sería lo estético y arqueológico o la obra y su espectador. Panofsky habla de unas característica que debemos tener en cuenta a la hora de ver la obra de arte, la forma materializada, la idea  y el contenido. Para conocer estas características debemos tener un bagaje cultural que nos permita identificarlas por esto el espectador se ayuda del historiador del arte para saber interpretar las obras correctamente  y sin ningún tipo de problema con esto podemos definir e termino de Historia del Arte.

La Historia del Arte como concepto es la ciencia histórica que nos ayuda a estudiar el arte como podemos ver reflejado en el propio texto en la que se alude al historiador del arte como la persona que guía y que debe afrontar las lagunas que tenga para resolver la incógnita que nos propone la obra de arte, este historiador deberá resolver incógnitas como son la autoría de obras su cronología las características mas importantes que definen a la obra e incluso deben guiar al espectador ala hora de facilitarle la comprensión del arte a través de unos grupos que siempre tienen excepciones y esto puede inducir  a una Historia  del Arte algo mas errónea. La Historia del Arte como ciencia histórica y antropológica se debe ínter relacionar con otras ciencias de mismo índole y en el texto hay algunas referencias a frases como las de Leonardo da Vinci que una ciencia es ciega si la relación con las otras entonces pierde credibilidad. Según Panofsky tanto en la Historia del Arte como la propia obra de arte existe una recreación estética, esto hace que pueda haber algo que la haga interpretar erróneamente por esto la Historia del arte tiene que tener una base mas fuerte y sincronizar las disciplinas para crear una interpretación verdadera y no crear una propia como haría un poeta a la hora de describir un cuadro o cualquier obra artística. Por esta cuestión el Historiador del Arte no se puede basar solamente en la recreación estética sino que debe tener una base mas teórica de las intenciones artísticas.

Hablamos también historiador del arte con el termino de “connoisseur” que basa sus estudios en una teoría del arte y estas teorías se deben alejar del presente para encontrar su pasado e interpretarlos desde la vista de un pasado como hacen ciencias como son la filosofía o las matemáticas, por esta cuestión deben interpretar los documentos del pasado que están estáticos y darles vida desde un cierto punto para crear el pasado con la mayor veracidad y es una de las cuestiones que tienen que salvar los humanistas e historiadores del arte como propios humanistas que son.

Otro de los apartados a realizar en este tema es uno de los textos de José Jiménez en la que se nos da la premisa de que arte es todo lo que considera el hombre como arte. Esta premisa se da en el capitulo primero de su Teoría del arte, publicada en Madrid. En primer lugar habla el autor de la importancia de la imagen en la cultura actual y nos lo tramite con una de las imágenes mas reproducidas de la historia, al preguntarnos de que se trata decimos que es una de las obras mas conocidas  de Leonardo da Vinci, la Gioconda, pero en realidad se trata de la imagen de la Gioconda ya que es una mera reproducción de la misma por esto aunque nos trasmite el mismo mensaje, no se trata de la misma forma. La verdadera Gioconda tiene una historia que la hace ser tan conocida, esa historia hace que sea la obra mas visitada en todo el mundo a pesar de que no es la mejor obra que existe, pero la cultura de la imagen a propiciado que esta obra sea tan reproducida y conocida como vemos reflejado en los textos de José Jiménez.

Esta obra tuvo una historia rocambolesca que la hizo ser tomada en tono de burla por algunos de los cómicos  que se dedicaban a tomar la Gioconda de un tono burlesco, cosa que hizo enfurecer a la mayoría de los franceses debido al morboso robo del Museo del Louvre en París y crear un sentimiento nacionalista. La obra de la Gioconda fue reproducida  en tantas ocasiones que hace que actualmente estemos tan acostumbrados a su presencia, esta obra fue reproducida por grandes pintores y artistas que vieron en la Gioconda una inspiración para crear obras a partir de la Mona Lisa, destacamos reproducciones como son las de Marcel Duchamp o también la de Malevich. Este uso de la imagen nos hace reflexionar de si esto es arte y esto cambia totalmente la forma de hacer arte, en la que se crea arte por el arte. Este cambio lo apreciamos como vemos en los textos en obras de Duchamp como la rueda de bicicleta o el urinario, con este tipo de arte ya cambia totalmente el mensaje del arte que cambia de lo sensible a un arte conceptual cambia totalmente por esto la importancia de la imagen en el arte que cobra un papel importantísimo se crean obras para ser vistas y solo vistas no con otro propósito y con la intención de solo disfrutar del arte como expresión.

Todos queremos tener siempre las imágenes para poder recordar vivencias que han pasado y esto propicia la creación de una publicidad de ese objeto y esto crea una estética propia y un interés por la reproducción por esto la Mona Lisa es un gran ejemplo de esta cuestión. Este mensaje nos lo transmite José Jiménez y de ahí esta importancia del arte por el arte ya que esta forma de ver las obras es también arte porque las percibimos constantemente en todos los lugares y por decirlo de alguna forma rendimos culto a las imágenes.

Hablamos del arte actualmente como cualquier cosa y por esto la premisa que hable anteriormente del autor debido a esta cultura popular y de la imagen ha hecho que todo pueda ser arte ya que ha cambiado totalmente la visión del arte clásico para dar paso a este nuevo arte, un arte contemporáneo. Podemos aprovechar cualquier tema para hacer arte ya que transmite el mensaje de una sociedad como la nuestra. El arte contemporáneo ha utilizado todo tipo de objetos y mensajes para crear este tipo de arte que impacte al verlo que nos haga pensar, que no nos lleve de la mano como en el arte mas clásico en la que el espectador va de la mano. Este arte nuevo hace al ser humano sacar su faceta creativa y buscar pluralidad de mensaje y no ver el arte como un objeto sino como un sujeto el de la propia persona.

José Jiménez nos da a conocer la premisa que da el filosofo Dino Formaggio que yo he tratado anteriormente en la que se habla de que el arte es todo aquello que los hombres llaman arte, esta frase es la que rodea al texto en todo sus ámbitos y Formaggio nos trasmite también la pregunta de Qué es esto ? y como algo puede se llamado arte, esto le da un carácter al arte en el que debe haber un discurso que podamos seguir a través del lenguaje. La nominación de arte a algo no es algo estricto según nos dice Formaggio sino que tiene un carácter de admisión popular a través de filtros. Esta aceptación o filtro también se mide económicamente que le da un valor mas capitalista al arte, este valor económico se lo da el lado informativo o crítico.

Hablar de limitaciones en el arte es un tema que marca la diferencia del arte clásico y el arte mas contemporáneo, el arte clásico ha estado marcado por unos cánones que han marcado las obras como ha sido el mecenazgo o un mensaje determinado que tiene quedar una obra por lo tanto el arte esta limitado en cuanto a temas, formas de representación, al publico que recibe las obras etc, por esto existe un cambio muy tajante en el arte del siglo XX que lo hace llegar hasta el punto de llamar a todo  arte cuando los humanos lo llaman arte como he dicho anteriormente, ya que cambia el concepto de estar delimitado a ser una arte mas libre y plural en la que no puede haber comparación con el arte que se produce anteriormente. Cuando se pregunta si el arte tiene limites debemos decir que no actualmente, ahora existe un arte sin limites y por esto cualquier cosa puede ser arte. Podíamos decir que el arte ha tenido limites no que los tenga. Por esta cuestión se puede entender el arte que produce Duchamp, Warhol o Picasso ya que es un arte libre que puede no parecerlo pero por esta misma cuestión es importante para la historia y marcan un cambio, cambia el concepto de una arte mas minimalista.

Por esta cuestión de los limites del arte que hemos perdido es difícil encontrar una definición  que marque que es arte y que no lo es porque surgiría un arte que no cumpliera la regla, por esto no tiene sentido definir u arte que  lo define la visión plural         al y la búsqueda de impacto de la imagen y no la profundidad de ideas y un fondo mas metafórico, ya ha sido difícil definir el arte a través de la historia en este momento mucho mas. La indefinición del arte hace que el arte sea mucho mas interesante y hace que cada persona se sienta identificado por el arte ese aspecto tan subjetivo que todos ven pero nadie sabe definir con precisión. Esta cuestión es estudiada por los historiadores que no son capaces de ponerse de acuerdo y personas como José Jiménez llega a conclusiones como la de Dino Formaggio y se resigna a darle una definición concreta y solo estudia los fenómenos del arte, lo que llega a producir y como lo produce por esto este importante papel de la historia de la obra que la define y es la base del arte contemporáneo de lo mas conceptual.

Estas cuestiones que trato son las cuestiones que marcan el arte de hoy en día y supongo que de el futuro hasta que el arte de otro vuelco o también algún fenómeno de la historia que marque otro cambio en el arte que lo haga diferente al anterior como ha pasado en la evolución del arte aunque con la pluralidad del arte contemporáneo es difícil que haya algo que de un vuelco al arte que vemos hoy en día.

En el siguiente caso, E. H. Gombrich, nos habla del arte como abstracción o juego con el ejemplo de un caballo de juguete. Hablamos de la representación como medio de la imaginación que nos permite llegar a la abstracción y ver algo diferente en un objeto que tiene otra utilidad muy diferente como podía ser una escoba utilizada por un niño con caballito, por el simple echo de poder imitar el cabalgamiento de un caballo y entrando en acción la representación del caballo. Esta misma forma de representación se pone en valor con el artista que crea y el espectador imagina por algunos detalles a que se quiere referir, esto es una cierta abstracción de la forma. Este significado o representación se generaliza por tanto todos llegamos a entenderla y jugamos con la imaginación inconscientemente, existe una creación a través de la imitación , todos creamos de alguna forma imitando unos cánones de generalización . También hablamos de un cierto engaño de las formas ya que asociamos una forma a un caballo cuando es totalmente diferente.

Según nos cuenta E. H. Gombrich, los niños buscan la abstracción, no creen en personajes realistas.  En mi forma de pensar creo que el niño busca la abstracción porque no entiende completamente que significa ese objeto sigue sus instintos, ve lo anecdótico del objeto y juega con su imaginación a través de la representación. Con relación al engaño se nos habla de la representación que hacen algunos animales con ciertas cosas. En el caso d ellos pájaros abren el pico tanto cuando se acercan a alimentarse al nido y también cuando ven dos círculos obscuros de diferente tamaño. Esto es debido a que ya tienen asociada una forma de representación de quien les alimenta. En la representación entran en acción el factor biológico y psicológico del ser que asocia y crea formas a través de las imágenes.

En relación con la función que se le da a un objeto como un caballito de juguete es diferente según quien le de la utilidad, para el personal de la limpieza tendrá un parecer diferente a la utilidad de una escoba, en este caso la función de la escoba es de limpieza cosa que para un niño no seria de esta forma, para el personal de limpieza no hay ningún proceso de abstracción ya que comprende la utilidad y función de una escoba cosa que en la mente de un niño si habría ya que no ha adquirido ningún prejuicio de lo que es una escoba y tiene una ligera percepción de un caballero y su caballo. La función la pone el que utiliza el objeto no tiene la misma percepción de una obra de arte el artista o historiador del arte que un matemático, esto es debido a lo que ha aprendido esta persona. Podríamos poner un ejemplo con este caso cuando hablamos de la sección áurea, en la que el matemático solo vería la formula de esa sección pero el artista con esa sección seria capaz de crear una obra de arte, darle un sentido y una experiencia estética a ese objeto.

En conclusión la función es subjetiva, como lo es la imaginación que a través de la abstracción encuentra una representación que le da un valor totalmente deferente al que la ve. En algunas ocasiones existe una generalización de prejuicios que nos hace crear una simbología.

El siguiente de los apartados del tema pertenece al texto de Nelson Goodman titulado ¿Cuándo hay arte?,en la que reflexiona sobre la típica pregunta que realiza el historiador a uno mismo creando gran confusión entre historiadores que se ven frustrados por no tener una respuesta realmente que diga cuando hay arte y cuando no. Estas preguntas consiguen crear gran debate entre los especialistas y Nelson Goodman intenta responder a esa pregunta.

Nelson Goodman le da un papel importante a la simbología en el arte y el objeto hallado,  a través de la simbología podemos ver esos cánones esas formas que marcan y no llevan de la mano inconscientemente a un significado común buscando lo universal.  Goodman pone el ejemplo de el asesoramiento del publico en el que se ve reflejado y da su parecer creando un símbolo en el que se ha visto reflejado. Es una visión literaria de los símbolos como las metáforas etc. Este tipo de arte habla Nelson Goodman como un Arte puro. Esta simbología forma parte de la propia temática, nos cuenta una historia a través d ellos símbolos. Nelson Goodman crea una contradicción con los puristas ya que habla de un arte acertado y equivocada a la vez encontramos una ambigüedad en ese arte al compararlo con el arte formal. Esto pasa con las obras del Bosco que en si no simbolizan nada pero crean iconos que nunca se han visto y buscan otro mensaje menos simbólico.

Debemos no ver solo las formas sino lo que contienen estas formas texturas, colores etc, no solo hay un arte formal sino intrínseco e interno. El arte y la simbolización están tan relacionadas que según Nelson Goodman no hay arte si simbolización ya que cuando una obra de arte la vemos como pintura es una pintura pero cuando lo vemos como manta pierde  su simbolización ya no es una obra de arte. Los símbolos están en todas partes tanto en la obra en lo que vemos en la obra, como lo ve el espectador o la persona que una el arte y sus símbolos. Durante todo el texto nos pone ejemplos muy parecido en la que el arte y la obra de arte tiene su razón de ser en los símbolos que a su vez son esas formas y que a su ves son colores y texturas aunque los puristas solo piensan en símbolos clásicos. Este arte y simbolización rompe con el arte contemporáneo en la que los conceptos y los símbolos los pone tanto  la obra de arte como el espectador que los ve, como ocurre en el anterior caso del caballito de juguete en la que la simbolización es muy diferente según la persona que la observa.

Por ultimo en este apartado de autores hablare de Gadamer y su texto sobre, El juego del arte, Gadamer nos habla de como el juego nos rodea desde nuestro nacimiento y es una premisa a la que estamos ligados. Al mismo tiempo que algunos animales los seres humanos tenemos ese instinto de cachorros que nos hace ser tan iguales a los animales que es difícil delimitarnos. Esto es debido a nuestros impulsos mas instintivos, lo que nos diferencia de los animales es que nosotros realizamos la actividad lúdica intencionalmente. Esto nos pasa en los juegos en los que encontramos unas reglas delimitadas en las que el que juega tiene que aceptarlas. Algo así ocurre en el arte en la que ese instinto formal se plasma en el arte a través de juego de crear formas. Existe un impulso artístico ya que los seres humanos seguimos nuestros impulsos para decidir que hacer y en el juego pasa igual nos guían los impulsos delimitados por reglas.

Heidegger es el maestro de Gadamer y hay una cierta influencia, en el tema de la hermenéutica podemos hacer una comparación entre los dos autores, estos dos autores no entiende la sitematización de reglas sino la reflexión del propio ser humano. Heidegger tiene un discurso mas tradicional que Gadamer, el alumno aprende que hay que  buscar mas la modernidad y no basarse en algo marcado sino jugar, el hombre debe jugar y reflexionar en su filosofía de vida, Heidegger fue un maestro que le enseño a ser disciplinado esto pudo marcar su carácter relativista. Gadamer su discípulo responde todas las incógnitas de su maestro con horizontes totalmente nuevos.

Hay una interacción entre el objeto y el sujeto, existe una coperatividad entre ellos ya que el objeto seria el juego y el sujeto el que utiliza el objeto para jugar, el objeto y el sujeto se unen para crear la obra de arte a través del juego y la intención artística, esta interacción no se puede realizar si falta alguno de los factores. En la obra de arte debe de haber esta interacción ya el arte debe de se jugado y debe haber objeto que es la obra y sujeto que es tanto el que la realiza como el que la observa.

Cuando Gadamer habla de transformación en una construcción, habla de la conformación de la obra de arte como se realiza en la que vemos el proceso y como ha ido evolucionando y jugando la obra de arte esto podemos observarlo en las artes transitorias, como es la música o la poesía, la obra se va edificando hasta que se forma ese proceso lo llamamos juego, tiene un cierto carácter lúdico. Gadamer nos comenta la diferencia de producir según  los griegos en la que se produce de forma real o mimética, esta ultima esta relacionada con la formación y la representación de las obras.

Por último hablare de mis conclusiones sobre algunos temas. El autor es la persona que crea algo llamado obra de cualquier tipo y esa obra tiene sus destinatarios que no siempre llegan a ser los mismos y aunque en un principio busca un destinatario concreto con el tiempo esto cambia porque los destinatarios actuales no tienen la misma percepción de la obra entonces cambia el mensaje y lo que quería decir el autor al hacerla también cambia ya que estamos ante otro contexto temporal. La obra tiene una historia que marca la importancia actual de la misma, en su época original la obra estaba destinada a estar en una corte o en algún lugar religioso. Actualmente con el arte mas reciente ha sido diferente ya que  estos autores han tenido vidas diferentes y sus obras a veces no han sido valoradas en un principio pero después son obras millonarias como pasa con el pintor Vicent van Goth, sus historia y su fama hace que sean cuadros importantes para la historia del arte porque el valor de la obra depende tanto de su calidad como su valor moral o histórico.

Otro de los temas a la hora de hacer arte es la importancia que depende por su recepción del publico, a veces no siempre es así y no marca completamente la importancia ya que en ocasiones la obra no es comprendida por el que la recibe en ese momento pero en un futuro puede tener una gran importancia, todo es relativo. Puedo hacer referencia al pintor Vicent van Goth, que en sus principios fue un autor que en sus principios fue renegado de la sociedad pero su historia lo hace ser importante y la recepción en un principio fue mala pero con el paso del tiempo ha tenido gran importancia y valor.

Las conclusiones en relación a la experiencia perceptiva y cultural son simples, cuando un tiene una experiencia estética debe tener en cuenta siempre estas dos experiencias, en el cas de la perceptiva es la que pertenece a nuestros sentidos, nuestros sentimientos que nos dan una visión subjetiva. Esta visión se da en el momento de la experiencia y no va mas allá de lo que esta observando . En el caso de la cultural esta experiencia va mas allá de la obra y nos permite conocer nuestra experiencia estética mas a fondo con datos que no vemos ha simple vista y que son estudiados y son pertenecientes al fenómeno cultural. Mis conclusiones acerca de la interpretación histórica del fenómeno artístico, esta interpretación a estado focalizada siempre de la misma manera ya que la forma de estudiar el fenómeno artístico se ha realizado siempre con un mismo origen que es Europa y todo esto cambia cuando esto es realizado por otras culturas ya que el arte esta marcado por nuestra cultura. Por estas cuestiones la historia del arte ha estado muy enmarcada en la cultura europea.

Autor: Jesús Aguayo Linares, graduado en Historia del Arte por la Universidad de Córdoba.

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